Асмик Григорян, Эрик Катлер и Готье Капюсон — в грандиозном гала-концерте в день летнего солнцестояния. Фестиваль в общине Графенегг в предместьях Вены — одно из самых заманчивых летних развлечений венцев. Изумительный природный ландшафт, парковые аллеи, огромная лужайка и затейливый неоготический замок, стрекот кузнечиков и звон колоколов соседней церкви — в каждой детали подтверждение официального лозунга фестиваля: «Klang trifft Kulisse» («Звук встречается с пейзажем»). На уникальной, отмеченной всевозможными наградами за лучшие акустические характеристики в Европе сцене Волькентурм («Облачная башня») звучат голоса литовской сопрано Асмик Григорян и американского тенора Эрика Катлера, сливаясь, как два мощных водных потока, прозрачных и глубоких. Репертуар поистине оригинален: не так часто в концертах исполняются отрывки из «Лоэнгрина», «Сида», «Манон Леско» и «Отелло». Концептуально «Графенегг» ориентирован прежде всего на симфоническую музыку, главным фестивальным оркестром считается Тонкюнстлероркестр (дирижер с 2005 года — Ютака Садо). Еще одной, не менее яркой, звездой вечера стал французский виолончелист Готье Капюсон: его интерпретация «Танца рыцарей» Прокофьева заставила взорваться от восторга обычно сдержанную австрийскую публику. Уже пятнадцать лет летний сезон в австрийской общине Графенегг открывается музыкальным фестивалем — главным культурным событием этой местности, которое транслируется по международному телевидению. Лучшие артисты мира выступают среди волшебства летней ночи на идиллическом фоне средневекового замка Графенегг. В этом году гостями фестиваля стали литовская сопрано Асмик Григорян, американский тенор Эрик Катлер и французский виолончелист Готье Капюсон. Ютака Садо, главный дирижёр фестивального оркестра, составил захватывающую программу из произведений Верди, Вагнера, Пуччини, Прокофьева, Леонкавалло и Дворжака. «Тенор Эрика Катлера взлетает, виолончель Готье Капюсона растапливает сердца, фестивальный оркестр великолепен. И просто потрясающая литовская суперзвезда Асмик Григорян». (Niederösterreichische Nachrichten) «Già nella notte densa («Уже во тьме ночной») — один из самых красивых и глубоких дуэтов во всем оперном репертуаре. И еще более эффектно он звучит, когда его исполняют такие певцы, как Асмик Григорян и Эрик Катлер». (Kurier) Программа: Карл Мария фон Вебер, увертюра к опере «Эврианта»; Рихард Вагнер, «Лоэнгрин» — «In fernem Land»; Антонин Дворжак, концерт для виолончели с оркестром си минор, op. 104: часть III, Finale. Allegro moderato; Антонин Дворжак, «Русалка» — «Měsíčku na nebi hlubokém»; Антонин Дворжак, Славянский танец № 1 до мажор, op. 46/1; Джакомо Пуччини, «Манон Леско» — «Sola, perduta, abbandonata»; Жюль Массне, «Сид» — «Ô souverain, ô juge, ô père!»; Джузеппе Верди, увертюра к опере «Король на час»; Руджеро Леонкавалло, «Паяцы» — «Vesti la giubba»; Джакомо Пуччини, «Мадам Баттерфляй» — «Un bel dì vedremo»; Сергей Прокофьев, «Танец рыцарей» из балета «Ромео и Джульетта» (в аранжировке Жерома Дюкро); Джузеппе Верди, «Отелло» — «Già nella notte densa»; Эдвард Элгар, «Торжественный и церемониальный марш № 1», op. 39/1.

Доктор Фауст, охваченный жаждой знания, бросает учебу ради занятий магией и заключает сделку с дьяволом: если Мефистофель будет служить Фаусту при жизни, доктор отдаст свою душу дьяволу после смерти. На время этого театрального представления сцена «Глобуса» превратится в поле битвы между Люцифером и ангелами за душу одного человека. Пьеса Кристофера Марло «Доктор Фауст» считается одной из наиболее значительных и известных трагедий, написанных до Шекспира.

Путь от мечты до премьеры: Карен Кейн и ее «Лебединое озеро» в документальной хронике постановки Национального балета Канады. «Лебединое озеро». Вершина классического танца, главный балет мирового репертуара, основа основ и предел мечтаний. Настоящее чудо и настоящая, огромная ответственность. И для тех, кто танцует. И для тех, кто отвечает за появление спектакля на сцене. Всемирно известная балерина Карен Кейн, партнерша Нуреева и модель Энди Уорхола, танцевала Одетту и Одиллию в разных редакциях, но ей всегда не хватало в этой истории эмоций, что заставили бы зрителей плакать. Завершив балетную карьеру, Карен возглавила Национальный балет Канады и смогла реализовать свою главную мечту — поставить на родной сцене свою редакцию «Лебединого озера». Но путь от мечты к премьере оказался не так прост. Документальный фильм «Лебединая песня» — честная и красиво снятая история о балетном закулисье, о том пути, который проходит труппа за время от зарождения идеи до счастливых поклонов после успешной премьеры. Художественный руководитель Национального балета Канады Карен Кейн ставит «Лебединое озеро», осуществляя свою давнюю мечту. И когда к началу репетиций все готово, начинается эпидемия COVID, и труппу отправляют по домам. Неужели от мечты придется отказаться? И все же Карен дают второй шанс. Спустя время артисты возвращаются в театр — и процессу подготовки спектакля снова дан старт. Жизнь закулисья в этот период и стала основой для документального фильма «Лебединая песня». Бесстрастная камера под руководством режиссера фильма Челси МакМаллан фиксирует процесс подготовки, от первых разговоров о спектакле до объятий после премьеры. Фиксирует успехи, слезы и ошибки, преодоление боли и красоту балетных тел, зависть, обиду, сомнения, самокритику и торжество побед. Фиксирует танец. Фиксирует, как шаг за шагом, из общей работы постановщиков, артистов, костюмеров, декораторов, из поисков и споров рождается спектакль. Камера фиксирует детали, которые кажутся несущественными за стенами театра, но здесь они стоят целого мира: мира, где отказаться от розовых трико уже кажется революцией. Похоже ли происходящее на фильм «Черный лебедь», вызвавший столько споров, с которым теперь часто сравнивают происходящее в реальном мире балета? По накалу страстей — возможно, да. Но только без «клюквы», почти неизменно сопровождающей художественные фильмы про балет. Маленькие секреты и большие победы, потери и сбывшиеся мечты, отчаянное сражение с травмами и собственным несовершенством, борьба за право на свой взгляд и свою трактовку истории, великая музыка и танец, в который вложено все, — вот из чего состоит «Лебединая песня», история любви длиной в жизнь.

Закулисная жизнь Галереи Уффици на фоне полотен Боттичелли, Леонардо и Тициана. Редкая возможность заглянуть в повседневную жизнь большого музея. От директора до смотрителя в залах и охранника на входе, все увлечены общим делом: подготовкой выставок, реставрацией произведений и сохранением уникального наследия итальянского искусства от Джотто до Караваджо. Галерея Уффици — один из старейших музеев мира, построенный в 1561 году и привлекающий ежегодно более 2,2 миллионов посетителей. В его залах любая деятельность подобна ритуалу. Зрители фильма встретятся с увлеченными своим делом подчиненными директора музея, немца Айке Шмидта — его ассистентами, архитекторами, хранителями, библиотекарями, реставраторами и даже консьержем. Они станут свидетелями переговоров с британским скульптором, живым классиком Энтони Гормли о размещении одной из его работ в рамках выставки «Тело в пространстве», на которой столкнулись классические произведения и современное искусство. Зрители погрузятся в атмосферу полотен Боттичелли, Леонардо, Тициана, Караваджо и Артемизии Джентилески и откроют для себя малоизвестные жемчужины коллекции, такие, как картина XVII века «Падение мятежных ангелов» Андреа Коммоди. Рассказ о жизни музея во время Второй мировой войны и о взрыве, устроенном мафией в 1993 году и уничтожившем три произведения из собрания, показывает историю опасностей, грозивших этой уникальной коллекции, и постоянных усилий по её защите и сохранению для будущих поколений.

Спектакль Театра им. Вахтангова. Новое амплуа Александра Олешко — и «Хрустальная Турандот» за лучшую мужскую роль. Режиссер Наталья Ковалева поставила спектакль по собственной сценической версии, созданной на базе произведений Дмитрия Мережковского и Евгения Симонова, дополнив их сценами собственного сочинения — воображаемой встречи императора с матерью, Екатериной II. В роли «русского Гамлета» — заслуженный артист РФ Александр Олешко. Декорации и костюмы выполнены по эскизам главного художника Вахтанговского театра Максима Обрезкова. Режиссер Наталья Ковалева: «История Павла I — очень русская история, бурная, противоречивая. Личность его — человека неординарного, любознательного, образованного, остроумного, способного к поэтической импровизации и при этом болезненно самолюбивого, нервного — не может оставить равнодушным… Кто-то говорит о нем «идиот», а кто-то называет «гением». Но истина всегда посередине: «Я — человек», — говорит Павел. Человек, чье самое горячее желание — сделать всех счастливыми. И в этом его трагическое несовпадение с окружающими: каждый из его окружения хочет счастья только для себя. Время примиряет с прошлым, а история в своем движении нередко совершает «реабилитацию» героев ушедших эпох. Услышать время, заглянуть в свою историю, присмотреться к личности Павла I и увидеть в нем глубокое человеческое страдание, нужно для того, чтобы задуматься о нас, сегодняшних.

Том Стоппард возвращается на сцену Российского академического молодежного театра с семейной сагой — многомерным эпосом о противостоянии человека и истории. За два часа сценического времени перед нами в деталях промелькнет более полувека истории. За хроникой событий стоит очень личное высказывание ее автора, драматурга Тома Стоппарда, в середине жизни узнавшего о своих еврейских корнях и гибели родных в концлагерях. Леопольдштадт — один из районов австрийской столицы, свое официальное название получил по имени императора Священной Римской империи, но в народе всегда был известен как «Остров мацы», ведь испокон веков здесь проживала огромная еврейская община. Семья Германа Мерца тоже родом из Леопольдштадта. Но если его прадед был всего лишь разносчиком тканей, то сам Герман Мерц — преуспевающий фабрикант, один из богатейших людей Вены, принятый в высшем обществе завсегдатай оперы и светских салонов. За несколько дней до наступления нового XX века, собрав в роскошной гостиной все свое шумное многолюдное семейство, Герман Мерц ни секунды не сомневается, что его дети и внуки будут жить в царстве разума и красоты, научного прогресса, философии и искусства. В 1955 году в этой же самой гостиной встретятся Роза, Натан и Лео — три «осколка» некогда огромного рода, единственные, кому удалось выстоять в огне XX столетия… Режиссер Алексей Бородин: «Леопольдштадт» — это не только трагедия отдельной семьи или даже народа. Я смотрю на эту историю шире: это трагедия меньшинства, которое всегда раздражает большинство и всегда ему проигрывает. А еще это размышление о том, как каждому из нас жить в изменяющемся мире, выдерживая все перипетии, не теряя себя и своих корней».

Новое дыхание старой сказки: возвращение сценографии великого Симона Вирсаладзе к 249-му сезону Большого театра. Один самых знаменитых, красивых и торжественных классических балетов, к тому же, что нечасто случается, со счастливым финалом. Гений Чайковского и Петипа превратил сказку Перро в настоящий гимн любви, чей поцелуй способен вернуть из вечного сна. В Большом театре спектакль идет в редакции Юрия Григоровича, с 2024 года вновь с непревзойденной сценографией и костюмами Симона Вирсаладзе, постоянного соавтора Григоровича в Большом. «Спящая красавица» — балет парадный, многолюдный, пестрый и сказочно красивый, словом, настоящий балет Императорского театра. Шарль Перро вряд ли подозревал, что из его симпатичной простенькой сказки можно создать такую феерию. Но гений Чайковского и талант хореографов, в разные годы что-то добавлявших к первой редакции, говорит о том, что феерия возможна. Феи наделяют маленькую принцессу множеством чудесных качеств, но не могут защитить ее от испытаний. Что за сказка без испытаний? Главное, что конец у сказки счастливый: принцесса найдет свое счастье; злая, хоть и невероятно харизматичная фея будет наказана, а на свадьбе станцуют самые любимые герои сказок.

Захватывающий, кровавый шедевр Джузеппе Верди, полный невероятно красивой музыки — на плавучей сцене Брегенца. У оперного фестиваля в Брегенце есть особенный повод для гордости — знаменитая плавучая сцена на Боденском озере. Режиссер Филипп Штельцль давно мечтал поставить спектакль именно здесь — с «Риголетто» Верди его мечта наконец осуществилась. Героев своей постановки он заставляет блуждать на фоне гигантской головы шута — ее пышная гротескность контрастирует с камерным характером драмы, которая разворачивается между шутом Риголетто, его невинной дочерью Джильдой и обольстительным герцогом Мантуанским. Заглавную партию в этом зрелищном и ярком спектакле исполняет болгарский бас Владимир Стоянов.

«Рок-звезда среди дирижеров» Теодор Курентзис представляет умопомрачительную интерпретацию «Реквиема» Моцарта. Теодор Курентзис и его российский ансамбль musicAeterna дебютируют на Зальцбургском фестивале интереснейшим исполнением Реквиема Вольфганга Амадея Моцарта. «Феномен Теодора Курентзиса привел Зальцбург в невероятный восторг!» (Kleine Zeitung). Прославленный греко-российский дирижер «с имиджем рок-звезды среди дирижеров» (Kleine Zeitung), по мнению многих, сегодня — один из наиболее интересных интерпретаторов Моцарта. Оркестр musicAeterna и их замечательный хор, облаченный в черные сутаны, исполняют Реквием с редкостной отдачей и идеально дополняют друг друга. «Захватывающе и практически несравненно…» (Kronen Zeitung). Квартет молодых солистов — Анна Прохазка, Катарина Магира, Мауро Петер и Тарек Назми — «превосходно сочетается с ансамблем» (Salzburg.com).

Безупречная игра musicAeterna, треск эмоций и выстрелов в гиперреалистичной опере. Как нам ужиться друг с другом в век конфликтов? Как объединить разрозненный народ? Своей постановкой оперы Моцарта «Милосердие Тита» Питер Селларс и Теодор Курентзис поднимают множество актуальных вопросов: классовое и расовое разделение, кризис беженцев, мятеж. Римский император Тит раздает свое богатство группе оборванных мигрантов. Толпа у стихийного памятника со свечами и портретами, разложенными на тротуаре в знак траура и протеста против разгула террора, — этот образ слишком узнаваем и близок нам, чтобы оставить равнодушными. Версия «Тита» Селларса и Курентзиса рассказывает захватывающую историю и служит призывом к своевременному диалогу в парадигме толстовского непротивления злу насилием. «Чистое удовольствие слышать, как точно и страстно Теодор Курентзис проводит свой оркестр musicAeterna через музыку Моцарта, оживляя ноты бархатистым звучанием и яркими акцентами. Звучит покалывающе свежо, как будто чернила моцартовской партитуры еще не высохли» (Contemporary Classical – Thea Derks). Режиссер Питер Селларс еще в 1998 году вошел в историю Зальцбургского фестиваля своей постановкой оперы Оливье Мессиана «Святой Франциск Ассизский» в Фельзенрайтшуле. В 2017 году он вернулся на фестиваль с постановкой оперы-сериа Моцарта «Милосердие Тита». Оркестровую яму занял его давний единомышленник и компаньон, звездный греко-российский дирижер Теодор Курентзис со своим коллективом musicAeterna. Курентзис и Селларс, также руководивший телетрансляцией спектакля, представили обновленную версию последней оперы Моцарта и дополнили партитуру фрагментами из моцартовской Мессы до минор. История о мятеже и прощении разворачивается в некой стране третьего мира с сильным полицейским надзором, разумным лидером, множеством беженцев, лишившихся дома в результате какой-то катастрофы. Сюжетом движет Секст в блистательном исполнении Марианны Кребасса. Он выведен на сцене убийцей, разрывающимся между верой в зло, совершаемое ради исторического и мирового блага, и ужасом перед неизбежной потерей невинных жизней. Скульптор, архитектор и автор инсталляций Георгий Цыпин использует масштабное пространство Фельзенрайтшуле для создания эффектной сценографии с движущимися колоннами. Теодор Курентзис, находящийся «на пике своей карьеры, убедительно доказывает, что сейчас он лучший моцартовский дирижер в мире» (Süddeutsche Zeitung) и прекрасно передает межкультурное ви́дение Селларса.

Елена Образцова и Пласидо Доминго в знаменитой киноинтерпретации первой веристской оперы. «Сельская честь», написанная по мотивам новеллы Джованни Верги, повествует о жизни и страстях простых сицилийских крестьян. Эта опера считается первым образцом жанра веризм. Партия Туридду всегда была одной из лучших в репертуаре Пласидо Доминго, и он исполняет ее вдохновенно и со всей музыкальной страстью. Молодой сицилийский крестьянин Туридду опять проникается чувствами к своей бывшей невесте Лоле, которая вышла замуж за другого. Его нынешняя подруга, молодая крестьянка Сантуцца, отчаянно пытается вернуть себе любимого. Но Туридду отвергает Сантуццу, и она клянется отомстить обоим изменникам. Потом она сожалеет об этом, но уже поздно — муж Лолы вызвал Туридду на смертельный поединок... Франко Дзеффирелли осуществил блестящую киноверсию этой оперы. Съемки на Сицилии позволили режиссеру запечатлеть истинный дух и атмосферу этого произведения. Сотни статистов-сицилийцев и грандиозные виды сицилийской деревни и окружающей ее местности выводят спектакль далеко за пределы театрального зала и представляют фильм-оперу в совершенно ином масштабе. Очаровательные улочки, площади и старинная архитектура коммуны Видзини чрезвычайно реалистично воспроизводят краски и аутентичную атмосферу «Сельской чести». Оперные звезды Пласидо Доминго, Елена Образцова и Ренато Брузон великолепно воплощают перед камерой эту яркую драму из сельской жизни. В полном соответствии с замыслом композитора-вериста реализм традиционной атмосферы Сицилии и драматическое исполнение знаменитыми певцами делают этот фильм совершенно особенным и предлагают оперному зрителю уникальное зрелище.

«Комедия положений в гроб»: Сергей Лазарев в ярком фарсе по единственной пьесе Марка Твена. Спектакль Евгения Писарева — о молодом, бедном и действительно талантливом художнике и компании его друзей, которые разыгрывают во французском предместье смешной и дерзкий фарс, используя мнимую смерть товарища, чтобы добиться богатства и славы. Пьеса «Жив или мертв» («Is He Dead?») — единственное произведение Марка Твена-драматурга, найденное в 2003 году в архивах Калифорнийского университета в Беркли. Главный герой пьесы молодой художник Жан-Франсуа Милле еле-еле сводит концы с концами. Его работы не продаются, семья его невесты в должниках у проходимца, а друзья-художники, с которыми он делит богемную парижскую мансарду, еще большие неудачники, чем он сам. Рецепт спасения невольно подсказывает один из потенциальных покупателей — живые художники ценятся недорого, но стоит автору умереть, как цены на его картины немедленно подскакивают. Друзья решаются на веселое мошенничество: они решают объявить Милле сначала неизлечимо больным, а потом и покойником, самого же художника решено переодеть в его вымышленную сестру, которой теперь предстоит распродавать работы брата... (Роман Должанский. «Коммерсантъ»).

От монументального произведения немецкого фольклора — к балладе высокого романтизма. Постановка Марко Артуро Марелли — настоящее произведение искусства: вместо пустого минимализма и псевдоинтеллектуальной глубины — кристально простые сценические решения и экономичное, но эффектное световое оформление Фридевальта Дегена, подчеркивающие настоящую, еле уловимую метафизику оперы Вагнера. «Тристан и Изольда» — сочинение гениальное по мастерству выражения и мощи музыки; а психологическая глубина настолько сильна, что Ницше называл оперу opus metaphysicum всего искусства и не мог найти произведения, равного ей по силе воздействия. Сцена намеренно отодвигается на второй план, чтобы дать музыке и голосам то пространство, которого они заслуживают. Изольда Камиллы Нилунд эмоциональна, но сдержанна; Клаус Флориан Фогт с его лучезарно-ярким звучанием полностью растворяется в эйфории любви. Единение влюблённых, слово шёлковым коконом, окутано темным мерцающим тембром Брангены (Таня Ариане Баумгартнен). Король Марк Георга Цеппенфельда — ясный и проницательный, одновременно авторитарный и глубоко человечный. Дирижер Кристиан Тилеманн не только создает совершенно новое звуковое произведение, извлекая на свет беспрецедентные, в высшей степени филигранные звуки из партитуры, но и создает тонкую, эмоциональную сказку, романтическую историю любви, которая затрагивает самые чувствительные струны души. Замысел этой оперы возник у Вагнера в разгар работы над «Кольцом нибелунга». В качестве источника композитор взял средневековый стихотворный роман Готфрида Страсбургского «Тристан», но в значительно переосмысленном и углублённом виде. В то время Вагнер увлекался философией Шопенгауэра, что придало гениальной музыкальной драме несколько пессимистический колорит. Если в поэме Готфрида и других преданиях на эту тему любовь Тристана и Изольды носит куртуазный характер, то у Вагнера тайная любовь между героями – это жизнь и смерть, это скрытая от чужих глаз ночь, это вечная тьма, которая их соединит. Часто – и небезосновательно – можно услышать, что «Тристан и Изольда» — величайший из гимнов, когда-либо созданных во славу романтической любви. Даже на фоне других сочинений Вагнера «Тристан и Изольда» – опера чрезвычайно сложная к исполнению, предъявляющая огромные требования к оркестру и вокалистам. И постановка дрезденской Земперопер достойно встречает этот вызов. Эта постановка «Тристана и Изольды» Вагнера в дрезденской Земперопер войдет в историю. Каждый элемент в ней на своем месте и составляет идеальную картину. На фоне сдержанной, лишенной каких-либо исторических отсылок сценографии Артуро Марелли вокальные партии выделяются особенно ярко. Клаус Флориан Фогт «полностью погружен в роль» (Opernmagazin), а Камилла Нилунд в роли Изольды «убеждает своим до сих пор потрясающе лирическим, лёгким сопрано» (Sächsische Zeitung). Кристиан Тилеманн на пике своей карьеры задает новый стандарт прочтения этой сложной партитуры, и оркестр Дрезденской капеллы под его руководством достигает новых вершин художественной выразительности. «Было бы чудесно, если бы этот «Тристан» никогда не кончался». (Opernmagazin) «Блистательное исполнение, которое вызывает желание упасть на колени». (Sächsische Zeitung)

Смешное и трагическое превращение Шарика в человека от театрального экспериментатора Антона Федорова. Повесть Михаила Булгакова «Собачье сердце» впервые, еще до появления в печати, была поставлена Генриеттой Яновской в театре МТЮЗ в 1987 году. Теперь, спустя более чем 30 лет, режиссер Антон Федоров предлагает свое прочтение этого великого сюжета на сцене того же театра. Для Федорова хрестоматийная повесть Булгакова оказывается совершенно новым и в некотором смысле неизведанным материалом. И это становится режиссерским принципом: чем более знакомым нам кажется литературный текст, тем больше поводов для разговора он предлагает. Так, частью этого разговора становится и история его интерпретаций.

Смешное и трагическое превращение Шарика в человека от театрального экспериментатора Антона Федорова. Повесть Михаила Булгакова «Собачье сердце» впервые, еще до появления в печати, была поставлена Генриеттой Яновской в театре МТЮЗ в 1987 году. Теперь, спустя более чем 30 лет, режиссер Антон Федоров предлагает свое прочтение этого великого сюжета на сцене того же театра. Для Федорова хрестоматийная повесть Булгакова оказывается совершенно новым и в некотором смысле неизведанным материалом. И это становится режиссерским принципом: чем более знакомым нам кажется литературный текст, тем больше поводов для разговора он предлагает. Так, частью этого разговора становится и история его интерпретаций.

Трагедия Уилльяма Шекспира про короля Лира и его дочерей, перенесенная на сцену Нэнси Меклер («Сестра моя сестра»), умеющей рассказывать истории о людях, запертых внутри сложных обстоятельств.